Afroamerikanische Musik und ihre Bandbreite, die von Ragtime über Jazz und Funk bis hin zu Hip-Hop reicht, hat die Musikgeschichte maßgeblich beeinflusst. Man könnte sagen, die Erfahrungen und Werke der afroamerikanischen Community haben eine Vorlage für Musik, wie wir sie heute kennen, in den Vereinigten Staaten sowie auch in weiten Teilen der englischsprachigen Welt geschaffen …
Wenngleich die Ursprünge der afroamerikanischen Musik – geprägt durch die Lebensumstände der Schwarzen Sklaven – vor dem Amerikanischen Bürgerkrieg liegen, wird in diesem Artikel der Fokus eingegrenzt. Begleitend zu unserer Spotify-Playlist erkunden wir Musikaufnahmen ab den 1890er Jahren. Auch wenn unsere Liste keineswegs vollständig ist, bietet diese Zusammenstellung ausgewählte Highlights, die die verschiedenen Stile afroamerikanischer Musik abbilden. Wir treffen auf bekannte Figuren wie Louis Armstrong und Ella Fitzgerald, aber auch auf Künstler:innen, die zwar nicht mehr bekannt sind, aber zu ihrer Zeit absolute Stars waren.
Neben den mit dem Grammy und dem Pulitzer-Preis ausgezeichneten Stücke, haben viele dieser Songs auch die Ehre, im National Recording Registry aufgeführt zu sein. Die in diesem Verzeichnis aufgeführten Titel gelten als „kulturell, historisch oder ästhetisch bedeutsam und/oder informieren oder spiegeln das Leben in den Vereinigten Staaten wider”.
Bereit? Dann drück auf Play, spitz die Ohren, und lass uns eintauchen …
Die allererste Musikaufnahme der Welt
Der Einfluss der afroamerikanischen Musik begann viel früher, als vielen bewusst ist, nämlich mit der ersten kommerziellen Musikaufnahme. George W. Johnson, ein ehemaliger Sklave, war im späten 19. Jahrhundert einer der ersten, der mit dem Phonographen Musik aufnahm. Er besaß ein Gespür dafür – schon Mitte der 1890er Jahre produzierte Johnson die meistverkauften Lieder der Vereinigten Staaten. Seine Leistung war umso bedeutender, da die damalige Massenproduktion nicht so einfach war wie heute, wo man einfach nur auf „Speichern” und „Teilen” klicken muss. Stattdessen nahmen die Sänger Schallwellen auf Wachs-Phonographen-Zylinder auf. Durch den Einsatz mehrerer Zylinder auf einmal, konnte ein Sänger drei oder vier Aufnahmen gleichzeitig machen. Bei seinem Erfolg hätte Johnson fünfzig Mal oder öfter am Tag dasselbe Lied singen müssen. Er hielt sogar mindestens eine Aufnahmesession im Labor von Thomas Edison in New Jersey ab.
Danach kam Mamie Smith, die erste afroamerikanische Blues-Künstlerin, die Aufnahmen machte. 1920 schrieb sie Geschichte, als ihr Song Crazy Blues innerhalb eines Jahres über eine Million Mal verkauft wurde. Man hört den beschwingten, sehnsüchtigen Gesang, der für den Blues-Stil typisch ist. Mamie Smith ebnete den Weg für Bessie Smith (die beiden waren übrigens nicht miteinander verwandt), die zur meistverkauften Blues-Künstlerin der 20er und 30er Jahre wurde.
20. Jahrhundert: Jazz, das Apollo und mehr
Ohne die afroamerikanische Erfindung des Jazz wäre die Musik nicht das, was sie heute ist. Aus New Orleans stammend, entwickelte der Jazz das Gefühl des Blues und des Ragtime-Swing. Mit seinem Aufbau aus Call-and-Response-Phrasen, Polyrhythmen (mehreren gleichzeitig auftretenden Rhythmen) und schnellen Improvisationen eroberte der Jazz die Nation. In verschiedenen Teilen des Landes griffen die Menschen unterschiedliche Aspekte des Sounds auf.
Markenzeichen der Musik aus New Orleans, die immer noch am bekanntesten für ihr Blasorchester ist, waren Instrumente wie Trompeten, Posaunen und Tuben. Aus New Orleans ging Kid Ory’s Original Creole Jazz Band hervor. Sie tourte während der Prohibition der 20er Jahre von Los Angeles nach New York City und war eine der ersten Jazzbands, die Aufnahmen machte.
Ebenfalls in den 20ern produzierte Louis Armstrong – ein einflussreicher Musiker, dem viele Entwicklungen des Jazz zugeschrieben werden (ebenfalls aus New Orleans) – die erste Scat-Aufnahme. Bei dieser improvisierten Gesangstechnik ahmt die singende Person die Leichtigkeit eines Blasinstruments nach. Wie viele bedeutende Dinge, scheint auch Scat durch einen Zufall entstanden zu sein. Mit Bezug auf sein Lied Heebie Jeebies aus dem Jahr 1926 sagte Armstrong: „Mir fiel der Zettel mit dem Liedtext runter – mitten in der Melodie … Und ich wollte nicht aufhören und die Platte ruinieren, die sich so wunderbar entwickelte … Als ich also den Zettel fallen ließ, verwandelte ich mich sofort wieder in das Horn und fing an zu scatten … Sobald ich die Platte fertig hatte, wusste ich einfach, dass die Aufnahmetechniker sie wegwerfen würden … Und zu meiner Überraschung kamen sie alle aus der Kontrollkabine gerannt und sagten: ‘Lass das drin.'”
Eine weitere Blues-Größe, Ma Rainey, nahm häufig mit Armstrong auf. Obwohl sie heute nicht so bekannt ist, war sie ihrer Zeit voraus. Rainey gab 1928 in ihrer Aufnahme Prove It On Me Blues ein frühes Bekenntnis zu ihrer Sexualität ab:
Where she went, I don’t know
I mean to follow everywhere she goes;
Folks say I’m crooked. I didn’t know where she took it
I want the whole world to know.
I went out last night with a crowd of my friends,
It must’ve been women, ’cause I don’t like no men.
Wear my clothes just like a fan,
Talk to the gals just like any old man.
Übersetzt:
Wo sie hinging, weiß ich nicht
Ich habe vor, ihr überallhin zu folgen;
Die Leute sagen, ich sei ein Gauner. Ich wusste nicht, wo sie es hingebracht hat,
Ich will, dass die ganze Welt es erfährt.
Ich ging letzte Nacht mit einer Gruppe meiner Freunde aus
Es müssen Frauen gewesen sein, denn Männer mag ich nicht.
Ich trage meine Kleidung wie ein Fan,
Spreche mit den Mädels wie jeder alte Mann.
Als die Prohibition Anfang der 30er Jahre endete, wurde das Apollo Theater in Harlem, New York City, wieder eröffnet. Zuvor ein Veranstaltungsort mit einer strikten „Nur für Weiße”-Richtlinie, wurde es zu einem kulturellen und musikalischen Mekka für die Schwarze Community. Jeder, der etwas auf sich hielt, trat im Apollo auf, von Louis Armstrong bis hin zu Bessie Smith. Selbst die „Queen of Jazz”, Ella Fitzgerald, hatte ihr Debüt bei einer der ersten Amateur Nights im Apollo!
Später spielte James Brown dort sein Live-Album von 1963. In Browns Definitive Biography stellt RJ Smith fest, dass die Platte „so erstaunlich neu war, dass sie kaum noch etwas mit dem sogenannten Rhythm and Blues zu tun hatte. Das war die neue Soul-Musik”. So wurden Jazz, Soul und Swing eindeutig von afroamerikanischen Künstler:innen definiert.
Eine Verschiebung des Narrativs
Mit der zunehmenden Verfügbarkeit von Musikaufnahmen wuchs auch der Einfluss der Schwarzen Musikschaffenden. 1933 nahm der Schwarze Gitarrist und Sänger Lead Belly den amerikanischen Folk-Standard Goodnight, Irene auf. Während das Lied bei seinen Live-Auftritten zum festen Repertoire gehörte, kam es erst nach seinem Tod 1950 in die Charts. Die weiße amerikanische Folk-Band The Weavers nahm daraufhin eine Version des Liedes auf. Es wurde zum nationalen Hit, der sich 25 Wochen lang in den Charts hielt und davon 13 Wochen lang auf Platz eins stand. The Weavers ließen einen Teil des Textes von Lead Belly weg, woraufhin das Time Magazine den Song als eine „dehydrierte” und „aufgehübschte” Version des Originals bezeichnete. Der Text von The Weavers ist der, der heute allgemein verwendet wird. Viele Künstler:innen haben das Lied gecovert, darunter auch Frank Sinatra. Zu dieser Zeit nahm auch die Schwarze Sängerin Ethel Waters Stormy Weather auf. Auch dieser Song wurde von einer anderen Band aufgegriffen, die den Text änderte, bevor er von bekannten Künstlern wie Sinatra und Judy Garland gecovert wurde.
Im Jahr 1936 nahm der Bluessänger Robert Johnson drei Tage am Stück in San Antonio, Texas, auf. Johnson, der normalerweise in Musikkneipen und als Straßenmusiker auftrat, produzierte 29 Songs in einem einzigen Jahr. Sie verkörperten den Stil des Delta-Blues. Johnsons Talent blieb jedoch zu seinen Lebzeiten unbeachtet. Er wurde im Alter von 27 Jahren tot am Straßenrand aufgefunden. Doch sein Vermächtnis bleibt uns erhalten – Johnsons Musik beeinflusste neue Generationen von Blues-Anhängern, darunter Eric Clapton, Keith Richards und Jimi Hendrix.
Genauso wie die afroamerikanische Musik dieser Zeit andere Künstler:innen beeinflusste, prägten auch Politik und Bürgerrechte die Musik dieser Zeit. 1939 veröffentlichte die legendäre Jazzsängerin Billie Holiday Strange Fruit, ein Protestlied gegen Rassismus und den Lynchmorden an Schwarzen Amerikaner:innen:
Southern trees bearing strange fruit
Blood on the leaves and blood at the roots
Black bodies swinging in the southern breeze
Strange fruit hanging from the poplar trees
Pastoral scene of the gallant south
Them big bulging eyes and the twisted mouth
Scent of magnolia, clean and fresh
Then the sudden smell of burning flesh
Here is fruit for the crows to pluck
For the rain to gather, for the wind to suck
For the sun to rot, for the leaves to drop
Here is a strange and bitter crop
Die Bäume im Süden tragen eine seltsame Frucht
Blut auf den Blättern und Blut an der Wurzel
Schwarze Körper schwingen in der südlichen Brise
Seltsame Früchte hängen von den Pappeln
Eine Hirtenszene des edlen Südens
Die hervortretenden Augen und der verzerrte Mund
Duft nach Magnolien, süß und frisch
Dann plötzlich der Geruch nach brennendem Fleisch
Hier ist eine Frucht, an der die Krähen picken werden
An der sich der Regen sammeln wird, an der der Wind ziehen wird
Die in der Sonne verrotten und dann vom Baum fallen wird
hier ist eine seltsame und bittere Frucht
Schwarze Frauen schrieben während des gesamten mittleren 20. Jahrhunderts Geschichte in der Musikindustrie. 1944 brachte Schwester Rosetta Tharpe Down by the Riverside heraus. Der Song betonte ihr bahnbrechendes Talent auf der E-Gitarre, das von vielen Rock’n’Roll-Musiker:innen als Einfluss genannt wurde. Die Library of Congress nahm ihre Version des Liedes 2004 in das National Recording Registry auf und stellte fest, dass es „ihr temperamentvolles Gitarrenspiel und ihren einzigartigen Gesangsstil einfängt und deutlich ihren Einfluss auf die frühen Rhythm-and-Blues-Künstler:innen zeigt”. Tharpes Kreativität spielte eine wichtige Rolle bei der Entwicklung des Rock’n’Roll als Musikgenre, was ihr den Spitznamen „die Patin des Rock’n’Rolls” einbrachte.
Motown und die Entwicklung des Pops
Während das 20. Jahrhundert voranschritt, wuchs auch der Einfluss der afroamerikanischen Musik. Ein neues Genre verkörperte eine intensivere Entwicklung von Soul und Jazz: Motown, ursprünglich aus Detroit. Michael Jackson und die Jackson 5, Marvin Gaye, Stevie Wonder, Aretha Franklin, Diana Ross und unzählige andere prägten diese Post-Bürgerrechtsära. Während der 60er und 70er wurden hunderte von Hits herausgebracht. Sie hatten packende Beats, Texte und Gesangsstile. Viele werden auch heute noch häufig gespielt. Während dieser Zeit entstand die Kritik am „White-Washing” afroamerikanischer Musik. Natürlich fließt diese Kritik auch in die Entwicklung der Popmusik, wie wir sie heute kennen, mit ein.
Einer der ersten Schwarzen Künstler, dem das Pop-Genre zugeschrieben wurde, war der bedeutende Bill Withers, der Anfang 2020 verstorben ist. Die Musik, die er in Los Angeles produzierte, mit liebevollen Texten und süßer Gitarre, erlangte weltweite Bekanntheit. Sein 1977 erschienenes Album Live at Carnegie Hall wurde von der Kritik hoch gelobt. Daryl Easlea der BBC Music sagte: „Es steht auf einer Ebene mit James Browns Live at the Apollo 1962 oder Arethas Amazing Grace … und ermöglicht es einem, die authentischen Erfahrungen eines Künstlers auf dem Höhepunkt seiner Karriere mitzuerleben.” Der Rolling Stone nahm die Aufnahme in seiner Liste der 50 besten Live-Alben auf.
Trotz kommerziellen Erfolges wurde Withers von der Industrie verärgert, als er gebeten wurde, ein Elvis-Cover aufzunehmen, was verdeutlicht, vor welchen Herausforderungen Schwarze Musiker auch heute noch stehen. „Ich covere Elvis Presley nicht. Weißt du, was ich meine? […] Es war ein Affront gegen mein – gegen mich als Mann. Ich fühlte mich einfach eingeengt, dass dieser eine [Produzent], der wirklich überhaupt nichts mit Schwarzer Musik zu tun hatte, mich einfach so lahm legen konnte. Es störte mich. Also habe ich seitdem nie wieder bei einer Plattenfirma unterschrieben”, meinte Withers Jahre später.
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Afroamerikanische Musik in den 90er- und 00er-Jahren
Auch in dieser Zeit beeinflusst afroamerikanische Musik die Musikindustrie weiterhin. Schlagfertige Texte, Synthesizer-Drums und Samples von bestehenden Platten sind nur einige wenige Merkmale der hochgelobten kommerziellen afroamerikanischen Musik der 90er- und 00er-Jahre. Eine großartige Analyse des 2018er Songs von Travis Scott SICKO MODE hebt die verschiedenen Stile und Samples hervor, die in den Nummer-eins-Hit in den Charts eingeflossen sind. Mit nur drei Worten – „Gimme the loot” – von B.I.G. (der auch den Song von James Brown Cold Blooded sampelt) wird die ohnehin schon lange Liste der Produzenten, die für diese Sommerhymne verantwortlich sind, um 14 erweitert!
Die Schwarzen Künstler:innen der heutigen Zeit bauen auf die farbenfrohen Beats und Vocals der frühen Musikindustrieweiterhin auf. Zum Abschluss unserer Playlist haben wir ein paar Highlights aus den letzten 30 Jahren des R&B, Soul, Hip-Hop, Rap, Pop und weiteren Genres zusammengestellt. Lehn dich zurück und genieße die Musik von Boyz II Men, The Notorious B.I.G., D’Angelo und Beyoncé. Wir wären nachlässig, wenn wir nicht auch eine Auswahl aus dem mit dem Pulitzer-Preis ausgezeichneten Album von Kendrick Lamar miteinbeziehen würden, der als erster Musiker, der nicht aus dem Klassik- oder Jazzbereich kommt, diese Auszeichnung erhielt.
Zum Abschluss unserer Playlist kommt der noch nicht ganz so bekannte Name Saint Mela, ein Kollektiv aus New York City, dessen Leadsänger Wolf Weston heißt. Diese Band ist dabei, sich einen Namen zu machen. Sie veröffentlichte ihr Debütalbum im Jahr 2018 und ihre zweite EP im Jahr 2020. Die Band komponiert „scharfen Indie-Pop, der ihr größtes Kapital unterstreicht: die packende Stimme ihres Leadsängers. Westons kraftvolle Altstimme”, so die New York Times, „fordert einen dazu auf, direkt um Tanzen bereit zu sein”.
Afroamerikanische Musik und darüber hinaus …
1979 erklärte Präsident Jimmy Carter den Juni erstmals zum Black Music Month. „Ich will den anderen Staaten nicht das Gefühl geben, minderwertig zu sein, indem ich alle Schwarzen Musiker:innen aufzähle, die aus Georgia stammen”, scherzte er. Dreißig Jahre später hob Präsident Barack Obama hervor, wie Schwarze Musiker:innen ganz Amerika geholfen haben, „zu tanzen, unseren Glauben in Liedern auszudrücken, gegen Ungerechtigkeiten zu demonstrieren und das dauerhafte Versprechen unseres Landes von Freiheit und Chancen für alle zu verteidigen”.
Und wie sieht die Zukunft aus?
Die Verfügbarkeit von digitaler Audio-Workstation-Software, Mikrofonen und Studio-Setups für den Heimgebrauch hat das Aufnehmen und Produzieren von Musik zugänglicher denn je gemacht. Wir sehen diesen Wandel bei Plattformen wie Soundcloud, die es Künstler:innen, die mit ihrer Musik experimentieren, ermöglichen, ihre Werke kostenlos hochzuladen. „Früher war die Musikindustrie durch ein vertikales Geschäftsmodell geprägt, bei dem eine Handvoll Labels und ihre Beziehungen zum Radio kontrollierten, welche Musik von der Öffentlichkeit gehört wurde. Jetzt ist der Prozess komplett egalitär: Wenn du etwas zu sagen hast, hast du eine viel bessere Chance, gehört zu werden”, sagt Steven Dewey, Mitglied von Saint Mela und Ingenieur/Produzent.
Die vielfältige und sich ständig verändernde Branche wird auch weiterhin von einer Fülle an Schwarzen Musikschaffenden geprägt. Halte deine Augen offen!